Veja esse: Secretária (2002)

Lee Holloway (Maggie Gyllenhaal) é uma das tantas mulheres que transformam o sofrimento psicológico em físico. Para esquecer a dor da vida, costuma provocar pequenos cortes geralmente em áreas pouco visíveis do corpo. Após receber alta de um tratamento psiquiátrico para tratar estes impulsos, Lee retorna à casa dos pais, mas os distúrbios domésticos e o acaso a levam a tentar e conseguir a vaga de secretária no escritório de advocacia de Edward Grey (James Spader). Logo o chefe revela sofrer de mais que um mero problema de personalidade bipolar. Suas compulsões sado-masoquistas causaram a demissão de várias secretárias, mas inesperadamente Lee começa a sentir uma atração irresistível por ele.

Em resumo, o filme é bom. A Secretária decepciona e surpreende ao mesmo tempo. Na verdade é positivamente esquisito. Quem esperar um filme com uma carga erótica forte devido à temática não vai se agradar já pela escolha da atriz, que não é exatamente uma beldade de Hollywood. Também não vai ver nada nem perto das cenas quentes de Sharon Stone em Instinto Selvagem 1 e 2. A personagem de Maggie Gyllenhaal, Lee, é uma mulher com pouco mais de 20 anos de idade, que cresceu em um ambiente familiar comprometido por um pai alcoólatra e uma mãe irritantemente condescendente. Do tipo que reprime completamente seus sentimentos, passou a descontar no seu próprio corpo suas frustrações. O emprego de secretária se revela a oportunidade de fugir de um ambiente estressante, mas acaba por um azar invertido da vida, no escritório de um homem que também sofre para conter seus impulsos sadomasoquistas, e que se revela com o tempo não ser um simples tarado. Edward Grey, ao estilo de um mestre zen, vai transformando o modo de falar, a maneira de vestir e as atitudes de Lee, entre uma “maldade” e outra, seja mandando que mergulhe no lixo, aumentando sua auto-estima para depois destruí-la ou simplesmente com palmadas violentas nas nádegas enquanto em posição sexual. O filme é na verdade um drama psicológico romântico com leves nuances de comédia. Seu maior mérito é ousar contar uma história de amor entre duas pessoas psicologicamente “imperfeitas” mas com um bom conteúdo, fugindo dos clichês habituais. 

Veja esse, se quiser: American Pie - O Reencontro (2012)

American Pie, se não foi o grande sucesso das comédias adolescentes, ao menos se revelou uma grata surpresa dentre tantas produções de adolescentes loucos para perderem a virgindade.  Mais surpreendente ainda foram suas duas sequências, em 2001 e 2003, que mantiveram a mesma qualidade do primeiro. Depois o nome da franquia foi utilizado em mais 4 produções caça-niqueis: Tocando a Maior Zona (2005); O Último Stifler Virgem (2006); Caindo em Tentação (2007); O Livro do Amor (2009). Não foi nenhuma surpresa quando anunciaram O Reencontro. 

Dez anos se passaram da primeira vez do grupo original de American Pie. Agora Jim, Oz, Kevin, Stifler e Finch se reencontrarão em East Great Falls, Michigan para relembrarem o passado e constatarem o quanto suas vidas mudaram. Se antes o problema era perder a virgindade desesperadamente, agora se trata de reafirmarem a amizade entre si, suas escolhas profissionais e principalmente sentimentais.

Em resumo, o filme é regular. Me veio à cabeça Gente Grande (2010) de Adam Sandler, com a diferença de que enquanto Lenny Feder e seus amigos relembravam a infância de forma mais inocente, o grupo de Jim, ainda não completamente adultos, celebram momentos mais recentes. Como esperado, Stifler é o único que não mudou absolutamente nada, sendo o responsável por organizar as confusões que tentam dar sem muito sucesso um tom de humor ao filme. O resultado são situações exageradas que despertam uma sensação de deja vu no espectador, seja da trilogia anterior ou de vários outros filmes adolescentes. Acho que agora sim, o nome American Pie pode ser aposentado.

Veja esse: À Beira do Abismo (2012)

Você pega um roteiro cheio de situações e personagens recorrentes por Hollywood, contrata um elenco que não é multimilionário mas tremendamente competente, e entrega tudo a um diretor que sabe fazer a coisa e dá tudo certo.

Nick Cassidy (Sam Worthington) a princípio parece ser apenas mais um suicida tentando pular de um prédio em Nova York. Pedir para negociar exclusivamente com a policial Mercer (Elizabeth Banks, a Miri de “Pagando bem, que mal tem?”) já é considerado inusitado, mas quando a polícia percebe que Nick deu um nome falso, e teve o cuidado de apagar todos os rastros do quarto de hotel sem deixar nenhuma digital para que sua identidade pudesse ser confirmada, leva decididamente a algo maior.

Em resumo, o filme é ótimo. O estilo do diretor Asger Leth é muito semelhante ao do falecido Tony Scott, o que considero um grande elogio, ou talvez um exagero causado pela surpresa positiva, uma vez que não esperava muito de À Beira do Abismo. Em um ritmo dinâmico, acompanhamos o drama de um ex-policial disposto a morrer para provar sua inocência por um crime que não cometeu. Enquanto chama a atenção da mídia e ao mesmo tempo mantém parte da polícia ocupada, um casal de ladrões invade um prédio próximo para praticar um roubo estilo missão impossível, que, de alguma forma, está interligado ao destino do suicida e de várias outras pessoas. Nick se revela um tipo de primo de Michael Scofield (Prison Break), portanto, além de um plano complexo e cheio de detalhes, também depende muito da sorte, e assim garante ótimas situações tensas auxiliadas por uma trilha sonora adequada. Nada exatamente novo aqui, mas bem acima da média.

Veja esse, se quiser: Tentação Fatal (1999)

Pergunto-me se algum dia me acharei velho demais para assistir filmes de adolescentes americanos aprontando nas escolas. Já faz tempo que deixei o ensino médio para trás, e provavelmente esteja na fase de Micht Martin, personagem vivido por Luke Wilson, que cria uma maneira de voltar aos tempos de faculdade na ótima comédia Dias Incríveis (2003).

Leigh Ann (Katie Holmes) é uma das melhores estudantes da sua escola. De origem humilde, filha de mãe solteira que trabalha como garçonete, encara os estudos como meio de conseguir um futuro sólido e longe de sua pequena cidade. Mas seu sonho de conseguir uma bolsa de estudos em Harvard começa a se desfazer por conta de uma nota baixa na disciplina de História, ministrada pela cruel Srta. Tingle. Para piorar, Luke (Barry Watson), colega de classe e garoto-problema da escola, rouba a prova de História e entrega uma cópia a Leigh, logo em seguida flagrada pela professora. O desespero leva o casal e uma amiga a casa da Srta. Tingle, o que termina em cárcere privado, levando a uma situação pior.

Em resumo, o filme é regular. Tentação Fatal é uma espécie rara de suspense de comédia, na qual uma situação normal de escola, envolvendo personagens adolescentes típicos dos filmes americanos, leva a algo sério e fora de controle. O que surpreende é a violência real da Srta Tingle. Quando não sai na porrada com os alunos, tenta confundi-los com jogos mentais. O modo como a situação vai se tornando cada vez mais insustentável motiva o espectador a ir até o final, apesar do trio principal. Katie Holmes é a aluna certinha, mas o desespero além de fazê-la perder a cabeça, a leva até a perder a virgindade (realmente a melhor forma para relaxar ante a possibilidade muito alta de terminar na cadeia). Jo Lynn (Marisa Coughlan),é a amiga extrovertida e aspirante a atriz, responsável pelas cenas mais chatas do filme. Luke (Barry Watson) é um clone de Johnny Depp, por isso naturalmente desejado por todas. Do trio de atores principais, apenas Katie Holmes fez uma carreira sólida, embora que seu melhor filme tenha sido Vamos Nessa, também de 1999. 

Veja esse: Os Implacáveis (1972)

O dono da loja reconhece o casal procurado por assalto a banco e chama a polícia. O homem tranquilamente vai à loja de armas mais próxima e compra um rifle calibre 12 e uma caixa de munições. A polícia chega. O que acontece a seguir é uma cena marcante na qual Steve McQueen destrói um carro patrulha com disparos de 12. Puro momento Jack Testosterona. Se fosse possível um blockbuster no estilo “Os Mercenários” para a galera da década de 70, a escalação dos profissionais da morte traria como principais Steve Mcqueen, Clint Eastwood, Charles Bronson e Ryan O’neal.

Cumprindo pena por assalto, Doc McCoy (Steve McQueen) tem sua liberdade condicional negada, o que o leva a apelar para os favores de um político influente. Em troca, deverá participar de um roubo a banco organizado por ele e seu irmão. Mas os acordos e alianças são logo desfeitas, revelando uma trama que ou o levará de volta à cadeia ou ao cemitério, o forçando a uma corrida contra o tempo e contra todos rumo à liberdade.

Em resumo, o filme é ótimo. Os Implacáveis inicia mostrando uma sequência rápida de cenas que apresentam como é a vida de McCoy na cadeia. Enclausuramento, horário controlado e trabalho forçado. O homem é comparado a uma máquina, vivendo em uma rotina que levará a loucura lentamente. Essa sequência se torna ainda mais eficiente por conta do som intermitente de máquinas funcionando, construindo o clima de claustrofobia de McCoy. No auge do desespero, pede a sua esposa, Carol (Ali MacGraw) que contate Baynon, um político influente e corrupto. Mulher linda junto a homem poderoso leva a um resultado previsível. Ao sair da cadeia, vemos um homem abalado psicologicamente, se esforçando para recuperar a autoconfiança. Como apenas os corajosos fazem, mesmo com medo, não hesita em cumprir o acordo. Mas todos parecem ter seu próprio plano B. O que acompanhamos em seguida ao assalto é uma fuga desesperada do casal para o México, caçados pela quadrilha de Baynon, por um ex-comparsa psicótico (que parece até parente do tripa seca) com o plano de ficar com todo o dinheiro e por toda a polícia que encontrar pelo caminho. O diretor Sam Peckinpah soube construir cenas de ação carregadas de tensão, além de apresentar o relacionamento conflituoso entre o casal de fugitivos de modo que a própria Maria da Penha reviveria péssimas lembranças. Não que sejam cenas tão violentas, mas as ativistas dos movimentos feministas fariam bons protestos por conta da exaltação de ânimos que vive a sociedade no momento. Os Implacáveis ganhou um remake em 1994, desta vez com Alec Baldwin e Kim Basinger nos papéis principais. Apesar de seguir basicamente o mesmo roteiro e apelar para mais balas e cenas de sexo, o resultado é um filme burocrático que perde em tudo para o original. Trocar McQueen por Alec Baldwin é como trocar os Stones pelo Oasis.

Veja esse: Josey Wales, o Fora-da-Lei (1976)

Clint Eastwood, o maior símbolo do cinema americano, ironicamente foi revelado ao mundo por uma série de produções italianas conhecidas como “Trilogia dos Dólares”, conduzidas pelo diretor Sergio Leone. O ator não se dedicou exclusivamente ao  western em sua prolífica carreira, mas decididamente ficou marcado para sempre como um dos maiores ícones, senão o maior, do gênero. (Seu rival é John Wayne).

Josey Wales (Eastwood) é um pacato fazendeiro sulista em plena Guerra da Secessão, até a chegada de um grupo de pistoleiros aliados ao Exército da União, conhecidos como “Botas vermelhas”, que incendeiam sua casa e assassinam sua mulher e filhos. Sobrevivendo com uma cicatriz no rosto e o calor do ódio em seu coração, Wales se une ao grupo dos sulistas e parte para a guerra. Sua vingança não é apenas contra o bando que destruiu sua família, mas contra qualquer soldado do exército inimigo, e logo sua fama se espalha. Mas, como ocorreu historicamente, o sul perde a guerra e os soldados restantes são obrigados a depor as armas, se render e jurar lealdade à bandeira americana. Como bom vingador solitário que é, Wales não se rende, ataca o acampamento inimigo matando vários soldados e inicia uma jornada épica pelo velho oeste até o Texas, com soldados e caçadores de recompensa no seu encalço.

Em resumo, o filme é ótimo. Trata-se de uma espécie de Apocalypse Now na Terra de Ninguém. Um homem que não se importa mais com a vida se permite qualquer desafio. Wales em sua jornada se depara com um velho índio Cherokee que profere um discurso bem realista sobre as injustiças que seu povo sofreu nas mãos dos brancos, mas seu ouvinte a usa como historinha para dormir. Em cada cidade, um tiroteio, cada parada revela um aspecto do oeste selvagem ao espectador. E em geral, um aspecto ruim, mostrando as piores adversidades de viver naquela época. Uma índia é espancada pelo patrão, mas descobre que os clientes estupradores são piores. Uma velha senhora desbocada e sua linda neta vindas do Kansas, que terminam atacadas por comancheros no meio do deserto em uma sequência de cenas digna de Mad Max. Uma cidade em processo de desertificação após o esgotamento da mina de prata, onde os decadentes cidadãos se reúnem em um Saloon sem bebidas. Embora se mostre imbatível psicologicamente, Wales ao longo do percurso parece começar a reaprender sentimentos como amizade e talvez até amor, mas apenas a pólvora vai proporcionar a paz que ele busca.

Veja esse: Codinome Cassius 7 (2011)

A guerra fria chegou ao seu auge em 1962, com a “Crise dos Mísseis Cubanos”. Acabou oficialmente em 1991 quando a União Soviética se esfarelou. Mas felizmente não há nenhuma previsão para que chegue ao fim em Hollywood.

Nos tempos da guerra fria, havia um assassino profissional provavelmente de origem soviética conhecido apenas como Cassius. Quando um senador americano é encontrado degolado, o mesmo modus operandi do misterioso assassino, a CIA convoca o agente aposentado Paul Shepherdson (Richard Gere), um homem que fora obcecado por capturar Cassius, para ajudar nas investigações. Com a ajuda do novato agente do FBI Ben Geary (Topher Grace), os dois tentarão descobrir quem matou o senador.

Em resumo, o filme é bom. O grande mistério de Codinome Cassius não é a identidade do assassino, que é o próprio agente Shepherdson. Não é spoiler. O próprio trailer entrega a identidade de Cassius, assim como algumas versões de capas com frases como “Mantenha seu inimigo próximo”. O mistério é outro. Fica então uma trama de espionagem CIA-Guerra Fria-FBI na qual Cassius persegue a si mesmo. Suas intenções e motivações são reveladas ao longo da trama sem deixar de apresentar algumas surpresas nos momentos finais. Em certo ponto, o espectador convive com a dúvida acerca do caráter de Cassius: seria ele um assassino frio como a história mostra, ou alguém dotado de um objetivo mais nobre? Creio que a grande falha do filme foi a escalação do ator Topher Grace. Sua aparência de garoto vítima de bullying em meio a máquinas de matar soviéticas é um tanto quanto irritante. Codinome Cassius não traz uma trama complexa tal qual O Espião Que Sabia Demais, tampouco possui cenas de ação empolgantes como a Trilogia Bourne, e não traz um roteiro sem falhas lógicas, mas é um entretenimento eficiente para ocupar uma hora e meia.

Veja esse, se quiser: Não por Acaso (2007)

Quem faz qualquer projeto cultural no Brasil é um guerreiro, especialmente os cineastas. Já me habituei a ver dezenas de marcas de patrocínio nos cartazes e aberturas, a maioria de órgãos governamentais e empresas públicas. Em minha opinião não deveria ser uma exigência apresentar em locais de honra marcas como a do governo federal ou do estado de São Paulo. Nas aberturas dos filmes nacionais, o espectador é bombardeado ao modo do antigo game “Space Invaders” do Atari. Ao invés de alienígenas digitais caindo do céu, temos uma invasão de marcas estatais oportunistas e empresas privadas.

Ênio (leonardo Medeiros) e Pedro (Rodrigo Santoro). O primeiro trabalha controlando, através de um sistema informatizado, o tráfego de veículos no caótico trânsito de São Paulo. O segundo, constrói mesas de sinuca e treina jogadas ensaiadas para disputar campeonatos locais. Os dois não se conhecem, mas compartilham a sensação de controle. Um controla o fluxo de veículos, o outro a direção das bolas de sinuca. Mas a vida é incontrolável, e ainda que indiretamente, as deles irão se tocar trazendo consequências aparentemente nefastas, fazendo com que tenham de se readaptar para retomarem o controle.

Em resumo, o filme é regular. Não por acaso tem como grande mérito abordar os temas universais da solidão e do acaso da vida, mas sem apelar para a estética da pobreza, malandragem e violência propagadas repetidamente pelo cinema nacional. Nesse ponto, toda iniciativa que procure trazer algo diferente desses aspectos é salutar. O diretor Philippe Barcinski declarou que o roteiro levou cinco anos para ser concluído, mas a sensação que fica é que poderia ter sido escrito em cinco dias. No início do filme, somos apresentados a São Paulo através de tomadas aéreas e então ao trabalho da engenharia de tráfego e ao modo como Ênio controla o tempo dos sinais e o posicionamento dos agentes. Ênio vive no que o budismo chama de “mundo dos animais”, até descobrir que tem uma filha adolescente e a partir de então não sabe exatamente como se relacionar com ela, e nem se quer mesmo algum tipo de relacionamento mais próximo. Pedro é um homem simples e acredita que sua vida está completa com seu trabalho e sua namorada, que em certo momento o acusa de ter parado no tempo. Não acho que o cinema tenha a obrigação de abordar sempre assuntos de conteúdo profundo que gerem reflexões variadas no público. Mas se uma obra se dispõe a construir uma trama com esse objetivo, deve tentar surpreender o espectador. Não por Acaso flerta com a instabilidade da vida, mas apresenta fatos muito simples, que sequer justificariam um longa metragem. Além da pouca substância, certos detalhes contribuem para empobrecer o filme. O perfil da executiva vivida por Letícia Sabatella, por exemplo, é surreal. Uma mulher que trabalha com compra e venda de commodities na bolsa de mercadorias e futuros, mas mora de aluguel em um apartamento modesto equipado com uma TV de tubo, e que se mostra fascinada quando conhece a Sinuca (inclusive o jogador)! Nada é improvável, mas a construção despreocupada da personagem enfraquece essa realidade. Após um inicio promissor, no qual Ênio faz uma interessante metáfora da mecânica dos fluidos com o trânsito, os eventos se arrastam na tela sem expectativa de mudança, o que é irônico para uma obra que se propõe a mostrar o dinamismo da vida. Não há pontos de tensão ao longo da narrativa, e o comportamento de alguns personagens não parece fazer sentido.

Veja esse: A Invenção de Hugo Cabret (2011)

Quando alguém que possui uma carreira sólida caracterizada por determinados estilos, resolve arriscar algo diferente, na mais das vezes o resultado é decepcionante. Assim foi Robert Rodriguez ao enveredar em títulos como Pequenos Espiões e As Aventuras de Shark Boy e Lava Girl. Agora foi a vez de Martin Scorsese deixar de lado os psicopatas, mafiosos, mulheres traiçoeiras e policiais corruptos para dirigir a adaptação cinematográfica do livro infantil A Invenção de Hugo Cabret. Mas nem tão infantil assim.

Na década de 30, em Paris, um órfão chamado Hugo Cabret (Asa Butterfield) vive escondido na estação de trens. Enquanto ele mantiver os relógios funcionando corretamente, ninguém perceberá que seu tio desapareceu. Sobrevivendo de pequenos furtos, Hugo se dedica a consertar um autômato deixado por seu falecido pai, e isso indiretamente o leva a se aproximar de um senhor dono de uma loja de conserto de brinquedos mecânicos e sua neta, Isabelle (Chloë Moretz). A garota vem a se tornar a única amiga de Hugo, e juntos tentarão desvendar o mistério do autômato que de alguma termina interligando a todos.

Em resumo, o filme é bom. A Invenção de Hugo Cabret é sim uma aventura infantil, mas ainda acessível aos adultos. Transmite um show visual hipnotizante. Não à toa, arrematou as estatuetas de Melhor Fotografia, Efeitos Visuais e Edição de Som. Quanto ao roteiro, enquanto em uma visão geral é notada uma escassez de conteúdo mais significativo, ainda assim se faz sustentável por suas quase duas horas de duração. Apesar de ser uma obra de ficção, se utiliza de elementos históricos da época aliados a um personagem chave que realmente existiu e foi considerado o pai dos efeitos especiais. Não se trata de um filme sobre heróis e vilões, mas sobre amizade e solidão, como deixa claro desde o início quando ressalta alguns aspectos do inspetor da estação, vivido por Sacha Baron Cohen (outro que se encontra fazendo um papel não convencional), e que deveria ser o personagem mau da história. O grande mistério, quando revelado, chega a ser decepcionante por sua simplicidade, mas esse não é apenas o único atrativo do filme.

Não veja esse: Sem Destino (2012)

Bom sujeito como é, Keanu Reeves deve ter prometido algo ao diretor e roteirista Mark Mann para ter entrado nessa furada. Bom sujeito como é, nem deve ter se importado.

John (Keanu Reeves) é um desses que apesar da idade ainda não sabe exatamente o que fazer da vida, ou pra que ela serve mesmo. Divide um apartamento minúsculo com o primo (aparentemente mais perdido que ele, mas que ainda não sabe disso), que parece ter sido mobiliado por mendigos com peças encontradas no lixo. Aparentemente John trabalha consertando aparelhos eletrônicos, mas sem emprego fixo. Essa é a maravilha dos Estados Unidos: até John possui um carro! Uma noite em um bar, conhece Mia e Violet, duas amigas que vivem no excesso. A estranha relação dos três leva a uma série de reflexões na forma de um documentário informal sobre a vida das garotas.

Em resumo, o filme é ruim. Sem Destino promete sexo, drogas e indecisão. Moderou no sexo e nas drogas e exagerou na indecisão. Mas talvez fosse essa a intenção mesmo. Apenas mostrar despretensiosamente alguns aspectos da vida de pessoas que estão perdidas pelo mundo, sem se apegar a nenhum conceito ou crença, nem mesmo a um vago senso de ordem. John é um sujeito que ainda não sabe qual é seu destino. Pensa muito e fala pouco, faz menos ainda. Seu amigo tenta aconselhá-lo: “Essa vida não vale merda nenhuma, então pra que ela valha alguma merda, é necessário fazer alguma merda que faça essa merda valer a pena.” O momento no qual vemos alguma reação de felicidade em seu semblante é quando rouba uma câmera de vídeo e sai em disparada sendo perseguido até a estação de metrô. Com a câmera, tenta produzir uma espécie de documentário sobre as vidas de suas novas amigas Violet e Mia, duas junkies que alternam cigarro, bebida, cocaína e sexo por dinheiro ou sem ele, no autêntico estilo rock n roll de viver rápido, morrer e se tornar um belo cadáver. Cada uma, a seu modo, falam um pouco sobre suas vidas e forma de encarar o mundo. Algo como uma rápida conversa informal que não é suficiente para termos uma ideia clara sobre elas (pelo manos sobre a Mia, porque a Violet não tem salvação). Assim como começa, o filme se despede. Sem grandes explicações, sem nada definido, deixando VOCÊ indeciso. Lembra um pouco a vida pessoal do ator Keanu Reeves, mais precisamente do meme “Sad Keanu”.

Veja esse: Cavalo de Guerra (2011)

Geralmente não gosto de filmes com animais. Na verdade não gosto do tema, e o motivo é que em sua maioria são filmes infantis ou que apelam para sensibilizar aqueles que são mais suscetíveis à dor dos animais que a dos humanos. Inclusive sou um desses. Além de ser “filme de cavalo” e trazer as melosas inscrições na capa “Separados pela guerra. Testados pela batalha. Unidos pela amizade.”,  e ter concorrido ao Oscar em uma das piores seleções que me lembro, resolvi ignorar tudo isso.

Os Narracott, uma pequena família de agricultores ingleses, passa por dificuldades quando seu patriarca, motivado pelo orgulho, compra por uma pequena fortuna um cavalo forte, veloz e vistoso, mas que não serve para o trabalho. Prestes a perder a fazenda porque o cavalo “não quer” arar o campo, a única esperança é a afinidade de seu filho, Albert, com o equino. Mas quando a Primeira Guerra Mundial estoura, Joey é enviado para servir ao país. Então,acompanhamos as aventuras do quadrúpede em zona de guerra, chegando até a trocar de lado, ao mesmo tempo em que somos introduzidos na vida de alguns personagens que também acabam se aproximando de Joey.

Em resumo, o filme é bom. Os momentos iniciais de Cavalo de Guerra lembram um desenho da Disney. Campos verdes, vida feliz e despreocupada. O interesse de Albert pelo cavalo começa desde que presencia seu nascimento no campo, e se torna uma espécie de amor, estranho amor (com o perdão da Xuxa). Mas o nível melhora ao acompanharmos o drama dos Narracott com a plantação, ainda que também não traga nada imprevisível. Quando a guerra contra a Alemanha começa, Cavalo de Guerra vai se tornando mais interessante. Joey divide sua história com um jovem oficial inglês, dois soldados alemães, uma garotinha francesa e seu avô. Joey arou fazendas, foi montaria de oficiais, transportou feridos, ajudou na fuga de desertores e puxou canhões de guerra em várias histórias que nem sempre chegaram a um final feliz. Talvez o melhor momento do filme, seja quando em meio ao campo de guerra, dois soldados de lados diferentes se unem para resgatar o cavalo, rendendo um diálogo bem interessante. Aliás, li em algum lugar que durante a Primeira Guerra, as altas taxas de desperdício de munição e baixa incidência de acertos nos alvos se devia a um certo descrédito dos soldados acerca das razões do conflito. Cavalo de Guerra superou minhas péssimas expectativas, apesar de algumas forçadas de Steven Spielberg.

Veja esse, se quiser: Lutador de Rua (1975)

Se você é um dos recentes viciados em UFC, fique longe dos filmes de ação da década de 70 sob pena de morrer de tédio.

Na época da Grande Depressão americana, o entretenimento ainda era capaz de tirar um homem da miséria. Aparentemente, Chaney (Charles Bronson) é apenas mais um dos tantos vagabundos que cruzavam o país através das linhas de trem. Mais, ou menos, que um dos famosos vagabundos iluminados, Chaney tem mais experiência nos punhos que na caneta. Ao parar em New Orleans, convence Speed (James Coburn), um apostador fracassado e em dívida, a colocá-lo nos ringues clandestinos de lutas onde o dinheiro das apostas pode deixar todos em uma situação bem confortável. Mas parece que os combates ilegais são mais seguros que o mundo corrupto e desonesto dos homens por trás das apostas.

Em resumo, o filme é regular. Em sua primeira vez na direção, Walter Hill já apresentava as características que marcariam sua carreira pela próxima década: histórias simples, com protagonistas frios e amargos, permeadas por uma violência crua e o pé no chão, criando uma espécie de drama de ação amarga. Apesar de cativante em vários aspectos, Lutador de Rua não chega a surpreender. Charles Bronson com cerca de 54 anos de idade, já havia se tornado o arquiteto vingador em Desejo de Matar, mas apesar da aparência física conservada, não convence enquanto lutador imbatível. As cenas de luta não possuem nada da “pirotecnia” avançada dos dias atuais, e isso é positivo, rendendo coreografias técnicas e duras. O problema na verdade é a falta da sensação de perigo nas lutas, que, quando surge, não dura mais que alguns segundos. O roteiro não ousa muito, mas entrega o que promete. Sem muita emoção mas sem se tornar enfadonho. Vendo os primeiros trabalhos de Hill, podemos até dizer que mudaram apenas os atores, mas a essência dos protagonistas continuou a mesma. Chaney, O Motorista, Tom Cody e Ajax são a mesma pessoa por dentro. Ar de indiferença, invencíveis fisicamente, e não são do tipo que tratam as mulheres como princesas, fato que sempre leva a situações hilárias do tanto que esses caras são brutos. O par romântico de Bronson é uma desempregada cujo marido está na cadeia, e que espera que o velho Chaney a prometa um futuro certo.

Veja esse, se quiser: Coriolanus (2011)

“Que vós falta, cães ordinários, se não vos agrada nem a paz nem a guerra? Uma lhes causa pavor, a outra lhes torna orgulhosos. Quem confiasse em vós, em vez de leões encontraria lebres. Em lugar de raposas, simples patos. O merecedor de glória, também merece o ódio. Enfocai-vos. Confiar em vós? Mudam de ideia a cada instante. Chamam de nobre quem vosso ódio merecia, e de infame vosso emblema máximo. Que aconteceu? Por que motivo em vários quarteirões da cidade gritam contra o nobre senado que, sob a égide dos deuses, vos mantém com medo, pois, do contrário, devorariam uns aos outros.” (General Caius Martius - Coriolanus, se dirigindo à população revoltosa)

Em uma Roma instável, o general do exército, Caius Martius (Ralph Fiennes), luta contra os guerrilheiros de uma nação vizinha, liderados por seu arqui-inimigo Tullus Aufidius (Gerard Butler). Após uma campanha vitoriosa, recebe o título de Coriolanus, e seu nome é indicado para o cargo de Cônsul da cidade. Mas conspirações do senado e sua ojeriza ao povo o levam ao exílio. Antes, inimigos mortais, agora Caius se alia a Aufidius para fazer sua antiga pátria arder em chamas.

Em resumo, o filme é regular. Desde o trailer, Coriolanus passou a impressão de ser mais que um filme de guerra, por conta do roteiro, e principalmente das falas dos personagens. O general Caius fala e se comporta como um Deus, mais especificamente tendo Ares como modelo. Ao se dirigir a um protesto popular contra o governo, faz o inflamado discurso reproduzido no primeiro parágrafo. De conteúdo forte, revela desde o início o ódio que o homem da guerra sente pelo povo. Para ele, é humilhante se dirigir aos fracos de corpo e de espírito, que servem apenas como massas de manobra para os políticos e seus jogos podres. Deveras, faz muito sentido seu discurso, e após essa primeira apresentação do personagem, minha expectativa aumentou para o que viria a seguir. O modo de falar dos personagens remete a uma peça de teatro, não apenas pelo linguajar, mas também pelo comportamento. Basicamente, é como se apenas os espíritos dos romanos do século V a.C. houvessem encarnado na Roma de nossos tempos. Não à toa. O filme é a adaptação de uma peça de mesmo nome, de autoria de William Shakespeare. De conteúdo rico no tangente ao funcionamento da democracia, Coriolanus possui boas cenas de ação em um primeiro momento, mas em sua maior parte recai no drama político envolvendo Caius, a população, e os conspiradores do senado. A produção possui direção e atuação impecáveis, mas a linguagem arcaica desgasta muito o espectador em uma produção de quase duas horas de diálogos enfadonhos culminando em tragédia ao estilo shakespereano. Apesar de original em sua nova roupagem, aconselho apenas aos fãs do estilo do famoso dramaturgo inglês.

Veja esse, se quiser: A Toda Prova (2011)

Muita gente me pergunta quais os critérios que utilizo ao escolher um filme. São três: A produtora/selo distribuidor; direção e elenco. A produtora/selo é promessa de ao menos o negócio ser bem feito. Se conheço o diretor, sei o que posso esperar do filme. Quanto ao elenco, levo em consideração que certos atores/atrizes tomam cuidado ao escolherem os filmes nos quais irão colocar seus nomes. Mas claro que uma boa indicação de alguém pode me fazer ignorar os três elementos.

Mallory é ex-fuzileira dos Estados Unidos e agora trabalha para uma agência privada de operações “tarja preta”, dirigida por seu ex-amante Kenneth (Ewan McGregor). Como assassinato, amor e separação raramente dão certos, ao resolver fazer a famosa última missão na qual tudo dá errado, Mallory é traída por alguém “misterioso” de dentro da agência e se torna uma fugitiva em busca de vingança e prova de inocência.

Em resumo, o filme é regular. De acordo com os critérios que comentei no primeiro parágrafo, se um filme possuir um elenco vasto de bons profissionais do ramo (analisando mais às filmografias que a qualidade de atuação), entra na situação de “quanto mais, melhor”. A experiência diz o contrário. Em uma regra geral, quanto maior o elenco em número de celebridades, mais decepcionantes são os filmes. E o diretor Steven Soderbergh é perito nessa técnica. Ele dirigiu Onze Homens e Um Segredo e suas duas sequências. Sucessos cinematográficos para o mundo, pura perda de tempo para mim. O homem tem outras produções infelizes em sua filmografia, mas vamos nos ater a este que ao menos não é um desastre completo. Até aqui você já deve ter percebido que o roteiro não traz nenhuma novidade. A expectativa então são as ótimas cenas de ação vistas no trailer. Realmente são os únicos elementos aproveitáveis. As lutas são difíceis, violentas e repletas de golpes de jiu-jitsu e acho que até judô (só entendo de kung-fu), o que é bastante congruente, afinal a mulher é fisicamente mais fraca (apesar de que atriz Gina Carano na verdade não é atriz, mas lutadora profissional de MMA, como havia desconfiado por conta de seu tipo físico avantajado) e tem mesmo de apelar para algumas técnicas que tirem essa desvantagem. E os personagens, inclusive a protagonista, aparecem mesmo com o corpo e rosto cheio de hematomas. Ponto para a realidade. De resto, temos uma trama rala e previsível, embalada por uma trilha sonora repetitiva. Os atores do grande escalão só cumprem tabela. Michael Douglas a Antônio Banderas mal aparecem, e Ewan McGregor passa vergonha como personagem secundário.

Veja esse, se quiser: Rookie - Um Profissional do Perigo (1990)

Os filmes menos conhecidos dentre a filmografia de atores e diretores famosos, salvo algumas exceções, são mesmo espécies de lado B. Mas mesmo assim o fã não deixa de conferir.

O policial Nick Pulovski (Clint Eastwood) investiga uma quadrilha especializada em roubo de carros. Durante a investigação, seu parceiro é assassinado e então designam o novato David Ackerman (Charlie Sheen) como substituto, um homem que sofre veladamente de uma espécie de pavor de fracassar enquanto policial.

Em resumo, o filme é regular. Rookie segue todo um roteiro genérico dos filmes policiais. Primeiro temos o policial durão e experiente mas que teve o parceiro assassinado, depois o novato que a princípio é ignorado e mais atrapalha do que ajuda, a quadrilha comandada por uma espécie de gênio do crime, intocável e um tanto excêntrico, e enfim uma mulher fatal amante do chefe mas com uma queda pelo mocinho. O personagem de Eastwood é apenas uma sombra de Dirty Harry ou de outros que o marcaram como sinônimo de ignorância e brutalidade. Charlie Sheen é o Rookie do título (novato, iniciante na carreira), e portanto acaba sendo praticamente o personagem principal, e aliás o que protagoniza as melhores cenas de ação do filme. Quando tudo dá errado, o policial Ackerman decide por uma abordagem mais agressiva no estilo Hell Angel, quebrando o que vê pela frente, esmurrando quem aparecer, atirando e colocando fogo até nas pessoas. Como filme policial, apesar da violência implícita, não consegue transmitir sensação de perigo ou tensão na maior parte do tempo. Não dá pra levar a sério a atuação do casal de vilões, interpretados por Raul Julia e Sonia Braga (!), a eterna Gabriela. De um temos uma expressão petrificada de boneco de ventríloquo sorrindo. Da outra, um autêntico produto de exportação nacional, temos uma mulher fatal, vivida por uma atriz experiente em papéis de mulheres promíscuas, mas passou da idade para certas cenas. A Sonia Braga em cena erótica com Eastwood amarrado a uma cadeira. Não sei onde o Clint estava com a cabeça para filmar isso, até porque ele também dirigiu o filme. Parece que o homem só entendia mesmo de matar gente nessa época. Após Rookie, Sheen iria marcar sua carreira no humor, com Top Gang - Ases Muito Loucos, Eastwood em breve ganharia o Oscar em Os Imperdoáveis, e a Sonia Braga seria encontrada em A Última Prostituta, Tieta do Agreste e Um Drink no Inferno 3 – A Filha do Carrasco, no papel de vampira dona de cabaré! Não falo mais nada.

Veja esse: 48 horas parte II (1990)

Passados oito anos desde o primeiro 48 horas, o diretor Walter Hill voltou a se reunir com Nick Nolte e Eddie Muprhy para criar mais dois dias de assassinatos, investigações, brigas e muita confusão entre uma das duplas mais conhecidas dos filmes policias.

Após 5 anos desde os eventos do último filme, o policial Jack Cates (Nick Nolte) está cada vez mais obcecado em encontrar provas da existência de um chefe do tráfico conhecido apenas como Ice Man. Reggie Hammond (Eddie Murphy) e sua antiga quadrilha roubaram dinheiro justamente do misterioso homem, e sendo o único sobrevivente capaz de revelar sua identidade, tem a cabeça posta a prêmio. Prestes a perder seu emprego e inclusive a liberdade devido a uma operação policial mal sucedida, Cates se vê obrigado a se unir mais uma vez a Hammond. Juntos, seguem a investigação e tentam sobreviver aos ataques de 3 assassinos contratados pelo Ice Man.

Em resumo, o filme é bom. Desde o primeiro longa, Eddie Murphy teve uma grande ascensão em Hollywood devido principalmente ao grande sucesso no ano seguinte de Um Tira da Pesada e sua sequência em 1987, além da ótima aventura sobrenatural O Rapto de Menino Dourado de 1986. Logo, o ator assumiu a produção de 48 horas parte II, escrevendo inclusive parte do roteiro, que além do diretor Walter Hill, teve a participação de mais 10 mãos. O resultado foi um engrandecimento do personagem de Muphy. Hammond continua hilário, mas ao mesmo tempo, mais sério, tomando visivelmente o espaço de Cates. O personagem de Nick Nolte volta levemente menos truculento e bem menos inteligente. Aliás, como consequência de tantas pessoas envolvidas no roteiro, temos uma história mais caricata e exagerada. Os vilões, além do misterioso Ice Man, são um trio de motoqueiros estilo Hells Angels sem nenhuma noção de perigo ou prudência. Aparentemente, Hill também já entrava em uma fase menos profílica e pouco criativa. Mas para os fãs da primeira parte, esta sequência é melhor aproveitada, principalmente pelas piadas de Murphy ao longo do filme: “Se merda valesse alguma coisa, os pobres nasceriam sem c*.”

Veja esse: 48 Horas (1982)

“Eles não poderiam se detestar mais…e não poderiam precisar tanto um do outro. O último lugar onde esperariam estar seria do mesmo lado. Mesmo que por apenas 48 horas.” Essa era a frase em um dos pôsteres promocionais da época do lançamento de 48 horas, mais um grande filme de ação dirigido por Walter Hill. Para as novas gerações pode parecer apenas mais um roteiro repetido no gênero policial. Dupla de parceiros que se detestam no início, mas depois se tornam amigos inseparáveis. Mas é assim que nascem os clichês cinematográficos, copiados de produções de sucesso como 48 horas. Às vezes me pego imaginando o que poderia ter acontecido caso Walter Hill tivesse tido a oportunidade de escrever e dirigir algum longa metragem de Dirty Harry estrelado por Clint Eastwood. “Get the hell out of my way!” Apostaria em um Magnum Opus.

Jack Cates (Nick Nolte) é um policial de San Francisco (mesma cidade de Dirty Harry). Para uma terra violenta, um policial ultra-violento. Após se envolver por acaso em uma ação policial que termina com dois detetives assassinados por uma dupla de criminosos, Jack está disposto a mover o inferno do lugar para encontrar os matadores, mesmo sem suporte oficial de seu departamento. Falsificando documentos, Cates retira da prisão o malandro Reggie Hammond (Eddie Muphy) que, sob sua custódia por apenas 48 horas, é a única esperança de rastrear os fugitivos.

Em resumo, o filme é ótimo. Se você tem menos de vinte anos, não deve estar habituado a esse tipo de ação policial. Vai achar que o protagonista não é muito malhado e nem mesmo sabe lutar jiu-jítsu, que seu revólver é antigo e dispara poucas balas, vai reclamar que morre pouca gente, não vai considerar os vilões maus o suficiente, e as garotas pouco gostosas. Mas você pode ser jovem e pouco demente. 48 horas segue bem o padrão que Walter Hill vinha formando: filme enxuto, direto, com protagonistas marrentos e vilões cruéis, repleto de ótimas cenas de ação com exageros na medida certa. Nick Nolte faz um policial cabeça quente que usa a violência para encurtar as coisas. Isso fica bem claro em uma cena na qual diz ao personagem Reggie depois de algumas frustrações no caso: “Cansei disso. Diga logo o que está escondendo ou vou te encher de porrada.” Em seguida começa a espancar o malandro, mas este reage e a briga só termina com a chegada da polícia, finalizando em uma cena hilária. Eddie Muphy estava começando aqui. Apesar de ser responsável pelo alívio cômico da trama, era um humor um pouco mais sério que seus papéis em Um Tira da Pesada ou O Rapto do Menino Dourado. Atualmente ele acredita que morremos de rir apenas por vermos seus dentes em sorrisos exagerados nos roteiros infantis de seus filmes. Foram 48 horas tão bem aproveitadas que renderam mais 48 horas em 1990.

Veja esse, se quiser: A Mulher de Preto (2012)

Não tenho nada contra os fãs de Harry Potter. Tanto os literários quanto os cinematográficos. Mas achei que ao menos o astro principal da série poderia se tornar um bom ator sem a varinha mágica e os óculos. Só vim conhecer Daniel Radcliffe em A Mulher de Preto, visto que não vi nenhum de seus filmes anteriores. A primeira impressão que tive foi que ele poderia facilmente entrar na tribo dos Hobbits dada a incrível semelhança de expressões com o Elijah Wood. Os mesmos olhos assustados de quem vai chorar a qualquer momento. Para piorar, acho que puseram uma criança para fazer a versão dublada no dvd nacional.

O advogado Arthur Kipps (Daniel Radcliffe)recebe de sua firma a incumbência de ir a uma pequena cidade para organizar os bens da recém falecida Alice Drablow, proprietária de uma enorme casa próxima a um Pântano e com fama entre os moradores de ser assombrada pelo fantasma de uma mulher de vestido preto. Os seus próprios problemas pessoais, aliados a terríveis visões que passa a ter desde que chegou à vila o levam a considerar verdadeiras as lendas populares dos moradores e suas histórias sobre mortes de crianças em circunstâncias misteriosas.

Em resumo, o filme é regular. Inicialmente nos deparamos com uma construção perfeita para uma obra de horror. Cores escuras,clima nublado, ambiente tenebroso, enfim, algo semelhante a uma obra de Tim Burton. Mas à medida que a história se desenvolve, descobrimos que se trata de um horror morno, permeado por barulhos estranhos, cadeiras que se balançam sozinhas, fantasmas que aparecem em um momento e somem no outro, mas deixando uma sensação pequena de perigo. Mais perigosos parecem ser os habitantes da região que maltratam Arthur desde sua chegada à cidade. Resta então o mistério acerca da mulher de preto, que é resolvida em uma investigação pouco interessante levando a uma solução ao estilo da série Sobrenatural, onde o personagem principal é motivado para salvar seu próprio filho E quando um filme não acaba no momento em que deveria acabar, significa que algo está errado, especialmente se for um filme de horror. E é então que algo surpreende o espectador.

Veja esse, se quiser: A Casa dos Sonhos (2011)

Will Atenton (Daniel Craig) resolve deixar o trabalho para se dedicar à sua esposa e filhas em sua nova casa no subúrbio. Mas o comportamento estranho dos vizinhos começa a interferir na vida da família, até descobrir que sua casa fora palco do assassinato brutal de seus antigos moradores. Aparentemente, o suspeito dos crimes está solto, e talvez rondando os novos moradores. Mas porque as autoridades se negam a fazer algo?

Em resumo, o filme é regular. Com um elenco que traz Daniel Craig, Naomi Campbel e Rachel Weisz, já poderíamos esperar algo de qualidade em termos de produção. Então é no roteiro que se encontra a maior frustração de A Casa dos Sonhos. Há pouco que possa ser falado sobre o filme sem revelar o mistério central da trama. E é justamente no pós revelação (ocorrida após cerca de metade da obra) que se torna mais desinteressante, apelando para uma solução forçada e pouco coerente. Incrível como produções que trazem “casa” no título terminam em sua maioria sendo apenas medianas, justificando mais uma vez um dos tantos preconceitos que mantenho sobre o mundo cinematográfico.

Veja esse: Zombie (1979)

Nada de sustos fáceis, desvios da câmera no momento fatal ou qualquer outro meio de amenizar a violência. As produções italianas ganharam o mundo por apresentarem tudo o que o espectador gostaria de ver, especialmente zumbis rasgando carne humana com os dentes, devorando as pessoas vivas. Trash ou não, melhor levar em consideração os avisos para levar um saco de vômito ao cinema como diziam as propagandas na época de Zombie.

Uma embarcação aparentemente à deriva alcança Nova York. Dois policiais da guarda costeira abordam o barco e descobrem um cenário de podridão formada por vermes e carne humana putrefata, sendo em seguida atacados por algo que seria um homem. Logo, um repórter investigativo, Peter West (Ian McCulloch), é designado para cobrir o caso, se aliando a filha do dono da embarcação, Anne Bowles (Tisa Farrow). Os dois seguem para uma misteriosa ilha nas Antilhas, último paradeiro do pai da moça, um cientista que se dedicava a pesquisar o porquê de os mortos do local voltarem à vida. Se unindo a outro casal, o grupo logo se vê em uma armadilha mortal, presos em um antigo cemitério de conquistadores espanhóis com uma crescente infestação de zumbis devoradores de carne humana, capazes de contaminar um humano saudável com apenas uma mordida.

Em resumo, o filme é bom, mas apenas se você tiver uma predileção especial ao horror gore. Zombie trata-se de um marco do gênero não por um roteiro bem elaborado ou atuações dignas de Oscar, mas por ser a primeira produção a expor os mortos-vivos de maneira explícita, com direito a vísceras, vermes, ossos à mostra e abuso de violência nas cenas. Coisas que apenas os coveiros estavam habituados. O diretor Lucio Fulci ajudaria a construir a fama do cinema italiano de horror junto com seus conterrâneos Dario Argento e Lamberto Bava, dois loucos geniais. Zombie possui uma das cenas mais comentadas do gênero, na qual mostra a perfuração do olho de uma garota por uma lasca de madeira proporcionada por um ataque zumbi. Sem cortes, sem piedade. Os efeitos especiais são modestos, mas muito convincentes levando em consideração os recursos da época. Asseguro que superiores aos criados em CGI precário que infestaram os filmes modernos. E não é apenas de sangue de que vive Zombie, mas também de carne fresca. O repórter e a filha do cientista encontram um casal que aceita levá-los até a ilha tida como amaldiçoada pelos nativos, e no caminho a companheira do capitão resolve fazer um mergulho turístico, mas vestindo apenas uma calcinha microscópica! Em seguida não sei se classifico como hilário ou estúpido o momento no qual surge um zumbi submerso tentando devorar a mulher, para em seguida entrar em uma luta corporal contra um tubarão. Acho que essas últimas linhas irão fazer muita gente desistir de ver esse filme. Zombie tem um ritmo lento inicialmente, mas descamba em um matar ou morrer contra dezenas de mortos-vivos, aliás, como sempre ocorre, e por fim chega a um final desesperador ao estilo italiano. Ainda prefiro a autenticidade de filmes dessa categoria à produções como Walking Dead, que procuram disfarçar um roteiro pobre com marketing e efeitos especiais.

Veja esse: Caçador de Morte (1978)

“Alguns deliquentes de hoje em dia acreditam que são autênticos cowboys. Pensam que podem simplesmente correr por aí fazendo o que bem entendem na hora que bem entendem. Eu respeito o homem que faz bem o seu serviço.” A frase faz parte do diálogo entre detetive e criminoso. Quando chama o fora-da-lei de Cowboy, possivelmente o homem da lei se refere à época do Velho Oeste americano, onde os bandidos eram mais fascinantes para a população que os xerifes, levando os jovens a acreditar que era uma vida bem melhor do outro lado da lei. E assim era na década de 70, onde os filmes de ação misturaram um pouco o bem e o mal, criando herois e vilões muito semelhantes.

Ryan O’Neal faz um homem soturno que ganha a vida dirigindo em assaltos. É contratado, sob suas rígidas regras, combina o horário e segue estritamente o programado. Recolhe os assaltantes do local do roubo e os deixa em segurança em um local pré-determinado. Ninguém consegue capturá-lo em ação, até que um investigador da polícia surge disposto a quebrar qualquer lei desde que consiga prender o “Cowboy”. Começa então um embate entre dois homens com vontade de ferro, em uma disputa arriscada motivada por um estranho orgulho, ou talvez a busca de um prazer acionado pelo risco que só aqueles que desdenham a morte podem compreender. O motorista é solitário, frio e decidido. Um homem de poucas expressões. Não tente saber o que o motiva. Talvez nem ele mesmo saiba. Aparentemente a ação sobre rodas é seu único prazer na vida. Não desfruta do dinheiro que ganha, morando em pequenos quartos de pensões de quinta categoria, dispensando até mesmo a companhia da televisão. Seu único alento, um pequeno walkman com fitas de música country. Completam o tabuleiro a mulher fatal (Isabelle Adjani) e um grupo de 3 ladrões pouco confiáveis contratados pelo policial.

Em resumo, o filme é excelente. The Driver (o motorista) no original, foi lançado no país sob o impactante nome de Caçador de Morte. Talvez um exagero sensacionalista, mas que analisando bem, não deixa de ter uma relação com o filme, embora não literal. Trata-se de uma obra de ação sensacional, com personagens que embora agora possam parecer até caricatos devido ao número de vezes que foram copiados em outras obras, passam uma vivacidade incrível. Escrito e dirigido por Walter Hill (o mesmo que dirigiria posteriormente Warriors, 48 horas e Ruas de Fogo), Caçador de Morte possui cenas de ação em perseguições de carro instigantes criando praticamente um roadie movie urbano. Também conta com diálogos bem construídos, que além de colaborarem na construção dos personagens, são uma diversão à parte. Se não percebeu até aqui, Hill não apresenta mesmo nenhum nome aos personagens. O espectador os conhece apenas por suas funções na obra, policial; motorista; assaltante; apostadora, etc. Ryan O’Neil deu vida a um personagem digno dos de sua época, como fizeram Clint Eastwood com Dirty Harry e o Homem Sem Nome, ou Steve Mcqueen em Bullit. Infelizmente a carreira de O’Neil no cinema foi curta e pouco significante. Caçador de Morte se torna um filme obrigatório para aqueles que apreciam a frieza da década de 70.

Se você já assistiu Carga Explosiva com Jason Statham, irá perceber que muito de seu personagem foi inspirado no motorista vivido por O’Neil. Especificamente no tangente às regras de conduta, não as habilidades “mágicas” de Frank Martin. E se você viu também Drive (2011) dirigido por Nicolas Winding Refn, estrelado por Ryan Gosling no papel de “motorista”, deve ter caído pra trás. Apesar da competência da dupla de diretor e ator, Drive absorveu quase 100% a essência do filme de Hill de 1978. É praticamente um remake. O personagem é o mesmo até no nome! Mas a imitação teve tanta qualidade que nem mesmo por isso perdeu seu valor no meu conceito. Mas puta merda, que cópia!

Veja esse, se quiser: Matador em Conflito (1997)

John Cusak nunca foi reconhecido como componente do primeiro escalão de atores, mas muitos de seus filmes se revelam acima da média. Provavelmente seja por conta de que a maioria das produções nas quais atuou não atraíram tanto a atenção da grande mídia, mas ele conseguiu até então manter uma carreira regular. Pessoalmente, destaco em sua filmografia: Meia-noite no Jardim do Bem e do Mal; Con Air; O Júri; 1408; O Contrato e Além da Linha Vermelha.

Matin Blank (John Cusack) é um assassino profissional que trabalha por encomenda. Após falhar em dois contratos, é praticamente obrigado a aceitar uma missão em Grosse Point, sua cidade natal. Voltar a ver sua família e amigos que abandonou já seria difícil, ainda mais justamente na época da reunião de 10 anos da turma do colégio, mas ao mesmo tempo percebe que deseja reencontrar sua antiga namorada e talvez dar uma nova chance a um estilo de vida normal. Em meio às confusões em seus contatos com os moradores da cidade, Blank tem de lidar com um profissional rival, Grocer (Dan Aykroyd), agentes do FBI que esperam a melhor oportunidade para prendê-lo, e ainda uma espécie de terrorista internacional louco. Ao mesmo tempo Blank se torna mira e alvo.

Em resumo, o filme é regular. Matador em Conflito é predominantemente uma comédia e portanto não se importa muito na veracidade das situações, onde algumas são bem criativas (escorrer veneno através de um barbante até a boca da vítima enquanto dorme) e outras absurdamente caricatas (ter um escritório com secretaria para fechar os “contratos” e o tiroteio na loja de convêniencias). O envolvimento romântico entre Blank e Debi é retratado de forma exageradamente superficial, como deixa claro a reação dela após 10 anos de desaparecimento do amado. As cenas de ação são bem preparadas, porém na execussão também caem em um certo amadorismo, a não ser na ótima luta final entre o terrorista e o matador, que é quando o espectador têm um contato mais real com a profissão de assassino. Parece que a direção ficou entre o exagero de um filme estilo David Zucker (Corra que a polícia bem aí; Apertem os cintos.., O Piloto sumiu!) e a estranha seriedade hilária de Ruben Fleischer (Zumbilândia; 30 minutos ou menos).

Veja esse: Quem quer ser um milionário? (2008)

O diretor Danny Boyle tinha um status cult graças a Transpotting - Sem Limites (1996). Depois chamou novamente a atenção do mundo underground pelo inovador Extermínio (2002). Mas foi com Quem quer ser um Milionário que recebeu a atenção do mundo, arrematando o 81º Oscar nas categorias Melhor Filme e Melhor Diretor, além de mais 6 estatuetas em outras categorias

Jamal Malik (Dev Patel), um indiano pobre, trabalha numa empresa de telemarketing na função de servir chá. A sorte o leva a conseguir uma chance no progama televisivo “Quem quer ser um milionário?”, um game show no qual o jogador ganha dinheiro ao responder corretamente perguntas de diversos ramos do conhecimento (nos mesmos moldes de “Show do Milhão”). Mas as sucessivas respostas corretas de Malik levam o apresentador a desconfiar de trapaça, o entregando a polícia que emprega a tortura para descobrir como um garoto tão limitado está prestes a conseguir o maior prêmio pago pelo show. Na delegacia, Jamal conta sua história, esclarecendo como sabia as respostas, dispostas ao longo de sua vida como favelado, órfão, ladrão, trabalhador assalariado e enfim milionário.

resumo, o filme é excelente. Quem quer ser um Milionário? mostra a vida sofrida de três órfãos indianos, de crianças a adultos, em um mundo desigual no qual a inteligência e ousadia se mostram essenciais para a sobrevivência. Retrata a desigualdade social, os conflitos religiosos, a sujeira física e espiritual da Índia, seja apresentando as favelas ou a corrupção de suas instituições. Ao juntar todos os elementos, não me parece que o diretor teve a intenção de tecer críticas ao país, mas apenas de contar uma história. Alterna humor com tristeza, alegria com violência quase todo o tempo. E não é assim a vida, uma constante alternância de sentimentos e estados? Danny Boyle possui uma característica pessoal de criar a narrativa do filme como um clipe musical, com sequências dinâmicas e tomadas com ângulos não convencionais, fornecendo quase ao mesmo tempo uma visão macro e micro dos elementos. E mesmo em cenas fortes, consegue mostrar o suficiente ao espectador, mas sem ser explícito ou apelativo.

Veja esse, se quiser: Estômago (2007)

Estômago recria a história do nordestino que, mazelado pela pobreza, migra para a cidade grande apenas com a roupa do corpo em busca de uma vida melhor. Ou talvez Raimundo Nonato (João Miguel), teve apenas de fugir de sua terra natal por conta de alguma encrenca. Ou Talvez ainda tenha sido expulso. Essa versão parece cada vez mais plausível à medida que o filme progride e conhecemos melhor Raimundo. Mas nenhuma versão importa. Ele apenas chega e é “capturado” por uma espécie de escravagista de brancos, que atende pela alcunha de Zulmiro. Nonato é praticamente obrigado por ele a trabalhar na cozinha de seu bar pouca coisa mais elegante que um “pega bebo” de beira de estrada. Zulmiro o ensina a cozinhar, e o resultado é uma movimentação anormal no estabelecimento, chamando a atenção do dono de um restaurante de comida italiana no mesmo bairro. De um boteco sujo a um restaurante de classe e a um presídio nacional, Estômago usa a trajetória de Nonato para mostrar certos aspectos da sociedade. Na maioria, ruins.

Em resumo, o filme é regular. Estômago opta por narrar a história através de duas linhas de tempo que vão se alternando ao longo de todo o filme, em um ritmo mais lento que o recomendado para um filme com quase duas horas de duração. Deixo claro que Estômago ainda assim possui qualidade acima da média, com uma história interessante e personagens que funcionam bem apesar dos clichês, e ainda que apresente alguns furos no roteiro se revela um bom entretenimento. É drama pesado, mas maquiado de comédia da maneira nacional. Dito isso, me atrelo agora às opiniões de caráter bem pessoal. O protagonista é resultado da adição dos elementos Nordeste, Pobreza e Burrice com certa dose de loucura. Para piorar, outras figuras típicas aparecem: A prostituta de terceira categoria, e o bandido chefe de cela (um negro). O cinema nacional aparentemente encontra na pobreza, na putaria e na marginalidade suas maiores inspirações. Nada contra, mas a insistência nesses temas se tornou cansativa e até motivo de ridicularização.

Veja esse: O Homem que Mudou o Jogo (2011)

Em O Homem que Mudou o Jogo, acompanhamos Billy Beane (Brad Pitt), administrador do time de beisebol A’s, de Oakland, tentando reconstruir sua equipe esportiva que teve seus melhores jogadores vendidos para times com maior poder aquisitivo, como aliás sempre acontece ao final de cada temporada. Billy tenta encontrar um meio de fazer com que a vitória no beisebol não dependa apenas da escolha dos jogadores através de seu valor de mercado, mas de conseguir enxergar e pontuar valores que ninguém mais consegue ver, nem mesmo os experientes olheiros. Com a ajuda do jovem economista Peter Brand (Jonah Hill), que desenvolve um software que pontua detalhadamente características baseadas em dados de jogos anteriores, surge uma oportunidade de experimentar algo novo. Ou seja, tentam aplicar a matemática ao jogo. Isso gera conflitos com os dirigentes, o treinador, o público e os repórteres da área esportiva, colocando sua carreira em risco mais uma vez. Quando o time começa a perder continuamente, é hora de decidir se a estratégia vale arriscar seu futuro profissional ou admitir que estava errado apostando em uma teoria louca.

Em resumo, o filme é bom. A história, baseada em fatos reais, se concentra em apresentar o esporte como ocorre por trás dos bastidores quase como um documentário. A organização e estruturação dos times, tal qual uma empresa que visa o lucro, que no final é o verdadeiro objetivo do esporte de arena. O Homem que Mudou o Jogo é um filme extenso, repleto de diálogos técnicos, e por isso se torna bastante monótono por vezes. Mas graças aos aspectos pessoais da vida de Billy Beane, ex-jogador e ex-olheiro, um sopro de vida recai sobre a obra. Quando entendemos que sua motivação para ganhar o jogo vai além do aspecto profissional, o filme se torna cada vez mais interessante, e saber que foram fatos baseados na vida real, tornam ainda mais significativas os resultados da atitude de Beane. Além do mais, ressalta o medo de tentar algo novo que as pessoas e instituições nutrem. Quando o sistema está perfeito, os vitoriosos não desejam mudanças, e passam a atacar implacavelmente quem os ameaça. Trata-se de um drama que na verdade também não quer passar apenas uma lição de vida, mas de história, e na vida real, nem sempre o final é o melhor. Foi indicado para o Oscar de Melhor Filme, Melhor Ator, Melhor Ator Coadjuvante, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Montagem e Mixagem de Som, mas ironicamente perdeu todos.

Veja esse, se quiser: Guerra é Guerra (2011)

Algumas obras servem de referência para representar o mundo da espionagem no cinema: O Homem que Sabia Demais (extremamente sério e complexo ao ponto de o homem comum não entender a trama), a Trilogia Bourne (voltada para a ação, mas sem deixar cair a seriedade), a série 007 (centrada também na ação, sendo popularmente tachada por “mentirosa”, mas com um personagem tão carismático que seque inabalável no cinema), e tenho de citar também a série Chuck (uma comédia eficiente que não baixa ao nível da infantilidade). Guerra é Guerra poderia se encaixar mais aproximadamente à Chuck, mas infelizmente não tem a mesma competência no roteiro.

Dois agentes da CIA, Tuck (Tom Hardy) e FDR (Chris Pine) são suspensos após uma operação mal sucedida. Com o tempo livre e o ócio, Tuck marca um encontro através de um site de relacionamentos. Ao conhecer Lauren (Reese Witherspoon), mulher bonita, divertida e aberta a relacionamentos. Tudo parece caminhar bem, até descobrir que seu melhor amigo e colega de trabalho está saindo com a mesma garota. Então começa uma disputa que coloca em risco a amizade, o trabalho e a sanidade da pobre mulher, que confusa com tantos atributos dos dois, não consegue decidir com qual quer namorar!

Em resumo, o filme é regular. Nos primeiros minutos, a sequência de ação transmite a sensação de que os eventos não são “reais”, algo como “isso é tão caricatural que parece ser um filme dentro de um filme”. E é assim que Guerra é Guerra retrata o mundo da espionagem: de modo infantil ao nível desenho animado. Sei que é comédia romântica, mas ainda assim se espera algo melhor que as novelas das 19 horas da Rede Globo. Quanto à parte romântica do filme, não há nada bonito. Lauren é incentivada pela amiga a sair com os dois homens ao mesmo tempo, e mesmo sabendo, Tuck e FDR topam a disputa, sabotando o quanto for possível um ao outro. Isso ao menos gera algumas cenas engraçadas. Mas o bizarro é que o roteiro não apresenta nenhuma justificativa para toda essa paixão por ela, a não ser a solidão de Tuck e a vaidade de FDR, que se transformam em amor (mesmo que seja um amor vazio mesmo). Mas o que esperar do diretor de As Panteras e As Panteras Detonando? A mesma fórmula de ação. Além de destruir o amor próprio dos homens, o roteiro afunda a moral das mulheres. Ao descobrir que Tuck na verdade é um agente da Cia e não um reles agente de viagens, sua ex-mulher repentinamente se apaixona ao estilo combustão humana espontânea. 

Não veja esse: Uma Filha Para o Diabo (1976)

“98% dos que se pretendem satanistas não passam de doentes patéticos, cujo prazer é dançarem nus em igrejas geladas, e usam o Diabo como pretexto para conseguir sexo. Mas depois restam os famosos 2%. Desses, não sei.”

O Padre Michael (Christopher Lee) foi expulso da Igreja por heresia. Formou seu próprio séquito e se aprofundou mais ainda no ocultismo, desenvolvendo poderes e propósitos cada vez mais sinistros, que incluem invocar o demônio Astaroth na Terra. Para isso, precisa sacrificar a vida de uma jovem freira, Catherine (Nastassja Kinski). Mas seu pai adotivo, que também segue ordens da seita, se arrepende e pede ajuda a John Verney, um especialista em ocultismo.

Em resumo, o filme é ruim. Uma Filha Para o Diabo fracassou por conta de um roteiro raso, que se deixou prender mais pelas cenas eróticas, incluindo nudez frontal da atriz Nastassja Kinski (que aliás, é a atração maior durante todo o filme), que ao horror em si. A coisa poderia até descambar para a comédia graças a certas situações e certos efeitos especiais, salvo a atmosfera tenebrosa construída pelo diretor. Falo por exemplo de enfiar o cabo de um pente na cabeça de alguém no pior estilo “presidiário” ou do estranho bebê demônio coberto de sangue que impressiona negativamente falando. A trama se polariza no confronto entre um mago, Padre Michael, e um estudioso de ocultismo, John Verney. Lembrei imediatamente de outro famoso ocultista chamado John, das histórias em quadrinhos do selo Vertigo publicadas pelo título Hellbalzer. Tirando o fato de o John do filme ser um respeitável senhor de idade sem nenhum resquício da malandragem e cinismo do John Constantine dos quadrinhos, os dois possuem um modo muito semelhante de lidar com as forças ocultas. Verney tenta enfrentar as feitiçarias do inimigo através de informações, inclusive pesquisando em “tomos sagrados” mantidos escondidos, e faz a magia parecer muito simples quando se sabe o que fazer. Ao final ele resolve quase tudo com uma pedrada! Vale lembrar que se trata de um filme produzido pela famosa Hammer. Significa que você vai ver mesmo demônios, fantasmas, sangue e feitiçarias, mas não que vai exatamente gostar do que vê (exceto os seios da Nastassja Kinski).

Não Veja esse: O Espião que Sabia Demais (2011)

Há filmes que parecem ter como maior propósito massacrar o espectador. A sensação ao terminar de ver O Espião que Sabia Demais é a mesma de entregar uma prova de cálculo na qual você tentou por duas horas resolver as questões sem muito sucesso. Tudo que você consegue é um esgotamento mental e uma vontade desesperada de beber até a inconsciência, e não é exatamente isso que alguém quer depois de um dia de trabalho ou estudo. Fica a advertência: Trata-se de um filme que pode ser utilizada para treinamento de espiões. Você tem de manter a atenção a todos os detalhes todo o tempo (que não é pouco), memorizar muitos nomes, e ser esperto o bastante para ligar os pontos. Diabo, Jigsaw poderia usá-lo em um de seus jogos mortais: “A saída dessa armadilha está na sua mente. Entenda O Espião Que Sabia Demais e você viverá.” Não se desespere se você se sentir muito burro. Para amenizar, junte um grupo de amigos para a tarefa. Ter pessoas por perto vai elevar a dificuldade de entendimento às raias do infinito, mas ao menos vai ser garantia de risadas gerais.

Tudo o que você vai entender fácil: O filme se passa na Inglaterra, nos tempos de pós-guerra fria. Um grupo de espionagem chamado Circus desconfia de um traidor infiltrado, e convoca um agente aposentado, George Smiley (Gary Oldman), para identificá-lo.

Em resumo, o filme NÃO é ruim. Ele apenas foi criado para pessoas com Q.I. de maisoumenos 140. Tecnicamente, é perfeito. Justamente, segundo o taoísmo, o que está perfeito, está morto! Por isso que é uma produção sem vida.

Veja esse, se quiser: Triângulo do medo (2009)

“Cemitério do Atlântico”, “Mar do Demônio”, “Mar dos Navios Perdidos”, “Triângulo do Diabo” e “Mar das Feiticeiras, são outros nomes pelos quais o “Triângulo das Bermudas” já foi conhecido. Sua alcunha mais famosa foi criação do escritor Vicent Gaddis quando publicou em 1964 o romance “O mortal triângulo das Bermudas”.

Em triângulo do Medo, um grupo de seis amigos se reúnem para velejar, mas uma tempestade inesperada os leva à deriva. Inesperadamente, um navio surge e os recolhe do mar, colocando o grupo em um perigo ainda maior. A embarcação parece deserta, até que os náufragos começam a ser assassinados. E isso parece não ser a coisa mais estranha sobre o navio.

Em resumo, o filme é regular. Começa como a típica história de serial killers. Apresentação breve do grupo, interação entre eles com alguns conflitos, até que acontece o desastre e alguém começa a matar todo mundo. Nenhuma novidade até então, a não ser que o assassino age rápido (melhor dizendo, mata rápido) e que felizmente o diretor não apelou para os famosos e irritantes “sustos fáceis”. Mas isso é apenas a superfície. Triângulo do medo é na verdade um filme sobre o triângulo das bermudas e seus efeitos temporais. O que começa como um suspense desemboca em uma ficção científica do tipo presos no tempo e espaço. Jess (Melissa George), ao descobrir o que está acontecendo, tenta encontrar um modo de tirar seus amigos do navio, e a busca a essa resposta consegue sustentar o espectador até o final. Triângulo do medo traz um tema bem interessante e complicado, mas que se perde em um roteiro que não parece fazer muito sentido ou lógica. Mas vale destacar que apesar de ser um filme relativamente fora dos grandes circuitos, foi bem comentado entre os admiradores do cinema de horror e ficção.