Veja esse: Secretária (2002)

Lee Holloway (Maggie Gyllenhaal) é uma das tantas mulheres que transformam o sofrimento psicológico em físico. Para esquecer a dor da vida, costuma provocar pequenos cortes geralmente em áreas pouco visíveis do corpo. Após receber alta de um tratamento psiquiátrico para tratar estes impulsos, Lee retorna à casa dos pais, mas os distúrbios domésticos e o acaso a levam a tentar e conseguir a vaga de secretária no escritório de advocacia de Edward Grey (James Spader). Logo o chefe revela sofrer de mais que um mero problema de personalidade bipolar. Suas compulsões sado-masoquistas causaram a demissão de várias secretárias, mas inesperadamente Lee começa a sentir uma atração irresistível por ele.

Em resumo, o filme é bom. A Secretária decepciona e surpreende ao mesmo tempo. Na verdade é positivamente esquisito. Quem esperar um filme com uma carga erótica forte devido à temática não vai se agradar já pela escolha da atriz, que não é exatamente uma beldade de Hollywood. Também não vai ver nada nem perto das cenas quentes de Sharon Stone em Instinto Selvagem 1 e 2. A personagem de Maggie Gyllenhaal, Lee, é uma mulher com pouco mais de 20 anos de idade, que cresceu em um ambiente familiar comprometido por um pai alcoólatra e uma mãe irritantemente condescendente. Do tipo que reprime completamente seus sentimentos, passou a descontar no seu próprio corpo suas frustrações. O emprego de secretária se revela a oportunidade de fugir de um ambiente estressante, mas acaba por um azar invertido da vida, no escritório de um homem que também sofre para conter seus impulsos sadomasoquistas, e que se revela com o tempo não ser um simples tarado. Edward Grey, ao estilo de um mestre zen, vai transformando o modo de falar, a maneira de vestir e as atitudes de Lee, entre uma “maldade” e outra, seja mandando que mergulhe no lixo, aumentando sua auto-estima para depois destruí-la ou simplesmente com palmadas violentas nas nádegas enquanto em posição sexual. O filme é na verdade um drama psicológico romântico com leves nuances de comédia. Seu maior mérito é ousar contar uma história de amor entre duas pessoas psicologicamente “imperfeitas” mas com um bom conteúdo, fugindo dos clichês habituais. 

Veja esse, se quiser: American Pie - O Reencontro (2012)

American Pie, se não foi o grande sucesso das comédias adolescentes, ao menos se revelou uma grata surpresa dentre tantas produções de adolescentes loucos para perderem a virgindade.  Mais surpreendente ainda foram suas duas sequências, em 2001 e 2003, que mantiveram a mesma qualidade do primeiro. Depois o nome da franquia foi utilizado em mais 4 produções caça-niqueis: Tocando a Maior Zona (2005); O Último Stifler Virgem (2006); Caindo em Tentação (2007); O Livro do Amor (2009). Não foi nenhuma surpresa quando anunciaram O Reencontro. 

Dez anos se passaram da primeira vez do grupo original de American Pie. Agora Jim, Oz, Kevin, Stifler e Finch se reencontrarão em East Great Falls, Michigan para relembrarem o passado e constatarem o quanto suas vidas mudaram. Se antes o problema era perder a virgindade desesperadamente, agora se trata de reafirmarem a amizade entre si, suas escolhas profissionais e principalmente sentimentais.

Em resumo, o filme é regular. Me veio à cabeça Gente Grande (2010) de Adam Sandler, com a diferença de que enquanto Lenny Feder e seus amigos relembravam a infância de forma mais inocente, o grupo de Jim, ainda não completamente adultos, celebram momentos mais recentes. Como esperado, Stifler é o único que não mudou absolutamente nada, sendo o responsável por organizar as confusões que tentam dar sem muito sucesso um tom de humor ao filme. O resultado são situações exageradas que despertam uma sensação de deja vu no espectador, seja da trilogia anterior ou de vários outros filmes adolescentes. Acho que agora sim, o nome American Pie pode ser aposentado.

Veja esse: À Beira do Abismo (2012)

Você pega um roteiro cheio de situações e personagens recorrentes por Hollywood, contrata um elenco que não é multimilionário mas tremendamente competente, e entrega tudo a um diretor que sabe fazer a coisa e dá tudo certo.

Nick Cassidy (Sam Worthington) a princípio parece ser apenas mais um suicida tentando pular de um prédio em Nova York. Pedir para negociar exclusivamente com a policial Mercer (Elizabeth Banks, a Miri de “Pagando bem, que mal tem?”) já é considerado inusitado, mas quando a polícia percebe que Nick deu um nome falso, e teve o cuidado de apagar todos os rastros do quarto de hotel sem deixar nenhuma digital para que sua identidade pudesse ser confirmada, leva decididamente a algo maior.

Em resumo, o filme é ótimo. O estilo do diretor Asger Leth é muito semelhante ao do falecido Tony Scott, o que considero um grande elogio, ou talvez um exagero causado pela surpresa positiva, uma vez que não esperava muito de À Beira do Abismo. Em um ritmo dinâmico, acompanhamos o drama de um ex-policial disposto a morrer para provar sua inocência por um crime que não cometeu. Enquanto chama a atenção da mídia e ao mesmo tempo mantém parte da polícia ocupada, um casal de ladrões invade um prédio próximo para praticar um roubo estilo missão impossível, que, de alguma forma, está interligado ao destino do suicida e de várias outras pessoas. Nick se revela um tipo de primo de Michael Scofield (Prison Break), portanto, além de um plano complexo e cheio de detalhes, também depende muito da sorte, e assim garante ótimas situações tensas auxiliadas por uma trilha sonora adequada. Nada exatamente novo aqui, mas bem acima da média.

Veja esse, se quiser: Tentação Fatal (1999)

Pergunto-me se algum dia me acharei velho demais para assistir filmes de adolescentes americanos aprontando nas escolas. Já faz tempo que deixei o ensino médio para trás, e provavelmente esteja na fase de Micht Martin, personagem vivido por Luke Wilson, que cria uma maneira de voltar aos tempos de faculdade na ótima comédia Dias Incríveis (2003).

Leigh Ann (Katie Holmes) é uma das melhores estudantes da sua escola. De origem humilde, filha de mãe solteira que trabalha como garçonete, encara os estudos como meio de conseguir um futuro sólido e longe de sua pequena cidade. Mas seu sonho de conseguir uma bolsa de estudos em Harvard começa a se desfazer por conta de uma nota baixa na disciplina de História, ministrada pela cruel Srta. Tingle. Para piorar, Luke (Barry Watson), colega de classe e garoto-problema da escola, rouba a prova de História e entrega uma cópia a Leigh, logo em seguida flagrada pela professora. O desespero leva o casal e uma amiga a casa da Srta. Tingle, o que termina em cárcere privado, levando a uma situação pior.

Em resumo, o filme é regular. Tentação Fatal é uma espécie rara de suspense de comédia, na qual uma situação normal de escola, envolvendo personagens adolescentes típicos dos filmes americanos, leva a algo sério e fora de controle. O que surpreende é a violência real da Srta Tingle. Quando não sai na porrada com os alunos, tenta confundi-los com jogos mentais. O modo como a situação vai se tornando cada vez mais insustentável motiva o espectador a ir até o final, apesar do trio principal. Katie Holmes é a aluna certinha, mas o desespero além de fazê-la perder a cabeça, a leva até a perder a virgindade (realmente a melhor forma para relaxar ante a possibilidade muito alta de terminar na cadeia). Jo Lynn (Marisa Coughlan),é a amiga extrovertida e aspirante a atriz, responsável pelas cenas mais chatas do filme. Luke (Barry Watson) é um clone de Johnny Depp, por isso naturalmente desejado por todas. Do trio de atores principais, apenas Katie Holmes fez uma carreira sólida, embora que seu melhor filme tenha sido Vamos Nessa, também de 1999. 

Veja esse: Os Implacáveis (1972)

O dono da loja reconhece o casal procurado por assalto a banco e chama a polícia. O homem tranquilamente vai à loja de armas mais próxima e compra um rifle calibre 12 e uma caixa de munições. A polícia chega. O que acontece a seguir é uma cena marcante na qual Steve McQueen destrói um carro patrulha com disparos de 12. Puro momento Jack Testosterona. Se fosse possível um blockbuster no estilo “Os Mercenários” para a galera da década de 70, a escalação dos profissionais da morte traria como principais Steve Mcqueen, Clint Eastwood, Charles Bronson e Ryan O’neal.

Cumprindo pena por assalto, Doc McCoy (Steve McQueen) tem sua liberdade condicional negada, o que o leva a apelar para os favores de um político influente. Em troca, deverá participar de um roubo a banco organizado por ele e seu irmão. Mas os acordos e alianças são logo desfeitas, revelando uma trama que ou o levará de volta à cadeia ou ao cemitério, o forçando a uma corrida contra o tempo e contra todos rumo à liberdade.

Em resumo, o filme é ótimo. Os Implacáveis inicia mostrando uma sequência rápida de cenas que apresentam como é a vida de McCoy na cadeia. Enclausuramento, horário controlado e trabalho forçado. O homem é comparado a uma máquina, vivendo em uma rotina que levará a loucura lentamente. Essa sequência se torna ainda mais eficiente por conta do som intermitente de máquinas funcionando, construindo o clima de claustrofobia de McCoy. No auge do desespero, pede a sua esposa, Carol (Ali MacGraw) que contate Baynon, um político influente e corrupto. Mulher linda junto a homem poderoso leva a um resultado previsível. Ao sair da cadeia, vemos um homem abalado psicologicamente, se esforçando para recuperar a autoconfiança. Como apenas os corajosos fazem, mesmo com medo, não hesita em cumprir o acordo. Mas todos parecem ter seu próprio plano B. O que acompanhamos em seguida ao assalto é uma fuga desesperada do casal para o México, caçados pela quadrilha de Baynon, por um ex-comparsa psicótico (que parece até parente do tripa seca) com o plano de ficar com todo o dinheiro e por toda a polícia que encontrar pelo caminho. O diretor Sam Peckinpah soube construir cenas de ação carregadas de tensão, além de apresentar o relacionamento conflituoso entre o casal de fugitivos de modo que a própria Maria da Penha reviveria péssimas lembranças. Não que sejam cenas tão violentas, mas as ativistas dos movimentos feministas fariam bons protestos por conta da exaltação de ânimos que vive a sociedade no momento. Os Implacáveis ganhou um remake em 1994, desta vez com Alec Baldwin e Kim Basinger nos papéis principais. Apesar de seguir basicamente o mesmo roteiro e apelar para mais balas e cenas de sexo, o resultado é um filme burocrático que perde em tudo para o original. Trocar McQueen por Alec Baldwin é como trocar os Stones pelo Oasis.

Veja esse: Josey Wales, o Fora-da-Lei (1976)

Clint Eastwood, o maior símbolo do cinema americano, ironicamente foi revelado ao mundo por uma série de produções italianas conhecidas como “Trilogia dos Dólares”, conduzidas pelo diretor Sergio Leone. O ator não se dedicou exclusivamente ao  western em sua prolífica carreira, mas decididamente ficou marcado para sempre como um dos maiores ícones, senão o maior, do gênero. (Seu rival é John Wayne).

Josey Wales (Eastwood) é um pacato fazendeiro sulista em plena Guerra da Secessão, até a chegada de um grupo de pistoleiros aliados ao Exército da União, conhecidos como “Botas vermelhas”, que incendeiam sua casa e assassinam sua mulher e filhos. Sobrevivendo com uma cicatriz no rosto e o calor do ódio em seu coração, Wales se une ao grupo dos sulistas e parte para a guerra. Sua vingança não é apenas contra o bando que destruiu sua família, mas contra qualquer soldado do exército inimigo, e logo sua fama se espalha. Mas, como ocorreu historicamente, o sul perde a guerra e os soldados restantes são obrigados a depor as armas, se render e jurar lealdade à bandeira americana. Como bom vingador solitário que é, Wales não se rende, ataca o acampamento inimigo matando vários soldados e inicia uma jornada épica pelo velho oeste até o Texas, com soldados e caçadores de recompensa no seu encalço.

Em resumo, o filme é ótimo. Trata-se de uma espécie de Apocalypse Now na Terra de Ninguém. Um homem que não se importa mais com a vida se permite qualquer desafio. Wales em sua jornada se depara com um velho índio Cherokee que profere um discurso bem realista sobre as injustiças que seu povo sofreu nas mãos dos brancos, mas seu ouvinte a usa como historinha para dormir. Em cada cidade, um tiroteio, cada parada revela um aspecto do oeste selvagem ao espectador. E em geral, um aspecto ruim, mostrando as piores adversidades de viver naquela época. Uma índia é espancada pelo patrão, mas descobre que os clientes estupradores são piores. Uma velha senhora desbocada e sua linda neta vindas do Kansas, que terminam atacadas por comancheros no meio do deserto em uma sequência de cenas digna de Mad Max. Uma cidade em processo de desertificação após o esgotamento da mina de prata, onde os decadentes cidadãos se reúnem em um Saloon sem bebidas. Embora se mostre imbatível psicologicamente, Wales ao longo do percurso parece começar a reaprender sentimentos como amizade e talvez até amor, mas apenas a pólvora vai proporcionar a paz que ele busca.

Veja esse: Codinome Cassius 7 (2011)

A guerra fria chegou ao seu auge em 1962, com a “Crise dos Mísseis Cubanos”. Acabou oficialmente em 1991 quando a União Soviética se esfarelou. Mas felizmente não há nenhuma previsão para que chegue ao fim em Hollywood.

Nos tempos da guerra fria, havia um assassino profissional provavelmente de origem soviética conhecido apenas como Cassius. Quando um senador americano é encontrado degolado, o mesmo modus operandi do misterioso assassino, a CIA convoca o agente aposentado Paul Shepherdson (Richard Gere), um homem que fora obcecado por capturar Cassius, para ajudar nas investigações. Com a ajuda do novato agente do FBI Ben Geary (Topher Grace), os dois tentarão descobrir quem matou o senador.

Em resumo, o filme é bom. O grande mistério de Codinome Cassius não é a identidade do assassino, que é o próprio agente Shepherdson. Não é spoiler. O próprio trailer entrega a identidade de Cassius, assim como algumas versões de capas com frases como “Mantenha seu inimigo próximo”. O mistério é outro. Fica então uma trama de espionagem CIA-Guerra Fria-FBI na qual Cassius persegue a si mesmo. Suas intenções e motivações são reveladas ao longo da trama sem deixar de apresentar algumas surpresas nos momentos finais. Em certo ponto, o espectador convive com a dúvida acerca do caráter de Cassius: seria ele um assassino frio como a história mostra, ou alguém dotado de um objetivo mais nobre? Creio que a grande falha do filme foi a escalação do ator Topher Grace. Sua aparência de garoto vítima de bullying em meio a máquinas de matar soviéticas é um tanto quanto irritante. Codinome Cassius não traz uma trama complexa tal qual O Espião Que Sabia Demais, tampouco possui cenas de ação empolgantes como a Trilogia Bourne, e não traz um roteiro sem falhas lógicas, mas é um entretenimento eficiente para ocupar uma hora e meia.

Veja esse, se quiser: Não por Acaso (2007)

Quem faz qualquer projeto cultural no Brasil é um guerreiro, especialmente os cineastas. Já me habituei a ver dezenas de marcas de patrocínio nos cartazes e aberturas, a maioria de órgãos governamentais e empresas públicas. Em minha opinião não deveria ser uma exigência apresentar em locais de honra marcas como a do governo federal ou do estado de São Paulo. Nas aberturas dos filmes nacionais, o espectador é bombardeado ao modo do antigo game “Space Invaders” do Atari. Ao invés de alienígenas digitais caindo do céu, temos uma invasão de marcas estatais oportunistas e empresas privadas.

Ênio (leonardo Medeiros) e Pedro (Rodrigo Santoro). O primeiro trabalha controlando, através de um sistema informatizado, o tráfego de veículos no caótico trânsito de São Paulo. O segundo, constrói mesas de sinuca e treina jogadas ensaiadas para disputar campeonatos locais. Os dois não se conhecem, mas compartilham a sensação de controle. Um controla o fluxo de veículos, o outro a direção das bolas de sinuca. Mas a vida é incontrolável, e ainda que indiretamente, as deles irão se tocar trazendo consequências aparentemente nefastas, fazendo com que tenham de se readaptar para retomarem o controle.

Em resumo, o filme é regular. Não por acaso tem como grande mérito abordar os temas universais da solidão e do acaso da vida, mas sem apelar para a estética da pobreza, malandragem e violência propagadas repetidamente pelo cinema nacional. Nesse ponto, toda iniciativa que procure trazer algo diferente desses aspectos é salutar. O diretor Philippe Barcinski declarou que o roteiro levou cinco anos para ser concluído, mas a sensação que fica é que poderia ter sido escrito em cinco dias. No início do filme, somos apresentados a São Paulo através de tomadas aéreas e então ao trabalho da engenharia de tráfego e ao modo como Ênio controla o tempo dos sinais e o posicionamento dos agentes. Ênio vive no que o budismo chama de “mundo dos animais”, até descobrir que tem uma filha adolescente e a partir de então não sabe exatamente como se relacionar com ela, e nem se quer mesmo algum tipo de relacionamento mais próximo. Pedro é um homem simples e acredita que sua vida está completa com seu trabalho e sua namorada, que em certo momento o acusa de ter parado no tempo. Não acho que o cinema tenha a obrigação de abordar sempre assuntos de conteúdo profundo que gerem reflexões variadas no público. Mas se uma obra se dispõe a construir uma trama com esse objetivo, deve tentar surpreender o espectador. Não por Acaso flerta com a instabilidade da vida, mas apresenta fatos muito simples, que sequer justificariam um longa metragem. Além da pouca substância, certos detalhes contribuem para empobrecer o filme. O perfil da executiva vivida por Letícia Sabatella, por exemplo, é surreal. Uma mulher que trabalha com compra e venda de commodities na bolsa de mercadorias e futuros, mas mora de aluguel em um apartamento modesto equipado com uma TV de tubo, e que se mostra fascinada quando conhece a Sinuca (inclusive o jogador)! Nada é improvável, mas a construção despreocupada da personagem enfraquece essa realidade. Após um inicio promissor, no qual Ênio faz uma interessante metáfora da mecânica dos fluidos com o trânsito, os eventos se arrastam na tela sem expectativa de mudança, o que é irônico para uma obra que se propõe a mostrar o dinamismo da vida. Não há pontos de tensão ao longo da narrativa, e o comportamento de alguns personagens não parece fazer sentido.

Veja esse: A Invenção de Hugo Cabret (2011)

Quando alguém que possui uma carreira sólida caracterizada por determinados estilos, resolve arriscar algo diferente, na mais das vezes o resultado é decepcionante. Assim foi Robert Rodriguez ao enveredar em títulos como Pequenos Espiões e As Aventuras de Shark Boy e Lava Girl. Agora foi a vez de Martin Scorsese deixar de lado os psicopatas, mafiosos, mulheres traiçoeiras e policiais corruptos para dirigir a adaptação cinematográfica do livro infantil A Invenção de Hugo Cabret. Mas nem tão infantil assim.

Na década de 30, em Paris, um órfão chamado Hugo Cabret (Asa Butterfield) vive escondido na estação de trens. Enquanto ele mantiver os relógios funcionando corretamente, ninguém perceberá que seu tio desapareceu. Sobrevivendo de pequenos furtos, Hugo se dedica a consertar um autômato deixado por seu falecido pai, e isso indiretamente o leva a se aproximar de um senhor dono de uma loja de conserto de brinquedos mecânicos e sua neta, Isabelle (Chloë Moretz). A garota vem a se tornar a única amiga de Hugo, e juntos tentarão desvendar o mistério do autômato que de alguma termina interligando a todos.

Em resumo, o filme é bom. A Invenção de Hugo Cabret é sim uma aventura infantil, mas ainda acessível aos adultos. Transmite um show visual hipnotizante. Não à toa, arrematou as estatuetas de Melhor Fotografia, Efeitos Visuais e Edição de Som. Quanto ao roteiro, enquanto em uma visão geral é notada uma escassez de conteúdo mais significativo, ainda assim se faz sustentável por suas quase duas horas de duração. Apesar de ser uma obra de ficção, se utiliza de elementos históricos da época aliados a um personagem chave que realmente existiu e foi considerado o pai dos efeitos especiais. Não se trata de um filme sobre heróis e vilões, mas sobre amizade e solidão, como deixa claro desde o início quando ressalta alguns aspectos do inspetor da estação, vivido por Sacha Baron Cohen (outro que se encontra fazendo um papel não convencional), e que deveria ser o personagem mau da história. O grande mistério, quando revelado, chega a ser decepcionante por sua simplicidade, mas esse não é apenas o único atrativo do filme.